TEFAF Kunstveiling: strenger optreden tegen vervalsingen

De TEFAF kunstveilig is dit jaar voor de 30ste keer georganiseerd in Maastricht van 10 tot 19 maart.

Deze unieke beurs trekt ook veel internationale kunsthandelaars aan gerenommeerde galeries die proberen zeldzame stukken te verkopen of verhandelen op deze veiling.
Een handelaar die een object wanst te verkopen of veilen op de TEFAF kunstbeurs moet kunnen aantonen dat het object echt is en geen vervalsing. De beurs heeft een goede start gehad dit jaar. Er is namelijk al een peperduur poppenhuis verkocht met zeventiende-eeuwse zilveren miniaturen voor maar liefst 1,75 miljoen euro.

Strenger optreden tegen vervalsingen

Vorig jaar kwam de beurs echter in opspraak omdat er vervalsingen te koop waren aangeboden. De gerechtelijke procedure zijn nog volop die vervalsingen aan het onderzoeken. Daarom kan men nog geen uitspraken doen hieromtrent.

De keuringscommissie kwam ook in opspraak door het feit dat de keuringscommissie ook bestaat uit handelaars die mee helpen de objecten en antieke stukken controleren op hun echtheid. Om te vermijden dat hun commissie kan verantwoordelijk gesteld worden heeft TEFAF een nieuw beleid en disclaimer laten registreren. Het keuringsteam bestaat nochtans uit 178 experts die in 28 verschillende commissies zetelen om de objecten (normaal een 30.000 objecten per beurs) te kunnen controleren op de authenticiteit.

Nieuw keuringsbeleid en bescherming van de keuringscommissie

Het nieuwe Keuringsbeleid van TEFAF dat dit jaar wordt ingevoerd bestaat uit het volgende:

  • Elk aangeboden object wordt gecontroleerd op de kwaliteit, de conditie waarin het zich bevind en of het object authentiek is.
  • Bij twijfel wordt het object zeker niet toegelaten en onmiddellijk verwijdert uit de catalogus

Invoering van een disclaimer in het keuringsbeleid sedert dit jaar door TEFAF

  • De keurmeesters zijn niet verantwoordelijk voor het onderzoek van elk aangeboden object
  • Enkel de handelaars zijn verantwoordelijk voor het aanbieden van een echt object en geen vervalsing.

Met dit nieuwe beleid onderscheiden ze zich van andere kunstbeurzen.

Schildertechniek: het Pointillisme

Het pointillisme is een typische schildertechniek die opkwam aan het eind van de negentiende eeuw. Door het gebruik van verfstippen die ongemengd op het doek werden aangebracht ontstond de opvallende stijl die licht accentueerde op grond van de analyse van kleuren. Het pointillisme is nauw verwant aan het divisionisme, waarmee de schilder Georges Seurat in het begin van de jaren tachtig van de negentiende eeuw begon te experimenteren.

Het divisionisme echter bediende zich hoofdzakelijk van verfstreepjes. Beide richtingen beschouwen we tegenwoordig als voortzettingen van het impressionalisme en daarom noemen we ze ook wel neo-impressionalisme. De achtergrond van het pointillisme is wetenschappelijk: in plaats van het mengen van kleuren zoals in de traditionele schilderkunst brengen pointillistische schilders op een witte ondergrond de primaire kleuren aan in de vorm van verfstippen. Dankzij de werking van de hersenen van de mens neemt degene die het schilderij bekijkt secundaire kleuren waar. Zo leidt het naast elkaar aanbrengen van bijvoorbeeld groen en rood tot een blauwe kleur, of rood en geel tot oranje. En dat terwijl die uiteindelijk visueel waargenomen kleur niet door de schilder is gebruikt. Dergelijke pointillistische schilderijen geven een buitengewoon helder en licht effect bij bekijken ervan.

Genoemde Georges Seurat ging na het aanbrengen van streepjes over op het gebruik van verfpuntjes en dat noemde hij halverwege de jaren tachtig van de negentiende eeuw chromoluminarisme. Een goed voorbeeld van een dergelijk schilderij was tentoongesteld op de expositie Indépants onder de titel ‘Een zwempartij te Asnières’. Andere bekende vertegenwoordigers van het pointillisme en dus ook het divisionisme waren Camille Pissao en Paul Signac. Het latere expressionisme wees deze vorm van schilderkunst af als te gekunsteld en bovenal veel te analytisch. In het begin van de twintigste eeuw zouden het pointillisme en divisionisme echter een grote inspiratiebron voor het fauvisme en het grote expressionisme blijken te zijn. Later nog ondergingen het kubisme en het futurisme nog altijd grote invloed van vooral het divisionisme. Kortom: het pointillisme was een erg belangrijke stroming in de evolutie van de geschiedenis van de schilderkunst. Het is dan ook terecht dat de stroming onder kunstliefhebbers nog altijd hoog aangeschreven staat.

Kunstschilder René Magritte

Kunstschilder René Magritte werd op 21 november 1898 geboren en is gestorven op 15 augustus in 1967. Toen Magritte 13 jaar was werd zijn moeder dood uit de rivier de Samber gehaald. Zij had zich met een doek om het hoofd in het water gestort. Dat gebeuren heeft bij hem een grote indruk achtergelaten. Het gebeuren komt in zijn latere werken vaak terug. Er zijn vaak schilderen van hem waarbij het aangezicht bedekt is. Van 1916 tot 1921 volgde hij de opleiding aan de Brusselse Academie.

Zijn leven was gewoon. Hij hield niet van het uitgaansleven en hij leefde met zijn vrouw in een rustige wijk van Brussel. Hij liet, als een burgerlijk man, iedere dag zijn hond uit. Ondanks dat hij zo’n groot kunstenaar was had hij zelfs geen eigen atelier. Hij maakte zijn schilderijen in de woonkamer of aan de keukentafel. Wanneer er gegeten moest worden ruimde hij zijn schilderijen op om er later weer op verder te gaan. Ondanks dat hij zo alledaags was eindigde hij in 2005 op de negende plaats als grootste De Grootste Belg. Hij stond nog afgebeeld op het bankbiljet van 500 frank juist voordat de euro ingevoerd werd.

Het begin
Magritte werkte in eerste instantie als ontwerper bij een behangfabriek. Naderhand maakte hij affiches. Het debuut van Magritte als schilder was Kubistisch, futuristisch en abstract. Na het zien van het werk van Girorgio de Chirico in 1925 begon het werk van Magritte steeds meer surrealistische elementen te vertonen. Magritte maakte vooral olieverfschilderijen op doek. Hij maakte ook veel gouaches voorwerpen en collages. Tussen 1940 en 1946 verrijkte Magritte zich door zijn stijl aan te passen. Hij schilderde nu met een impressionistische accentuering. Na een korte periode van verrijking keerde hij toch weer terug naar zijn oude stijl.

Het surrealisme

Het surrealisme is een kunststroming in de moderne kunst. Deze is ontstaan als een literaire stroming in het begin van 1920. Tussen 1925 en 1940 was het het hoogtepunt van het surrealisme. Nog steeds komt men het surrealisme in de kunst tegen. Dit zowel voor de schilderkunst, beeldhouwwerken en literair.

Kunstwerken

Magritte heeft vele schilderijen gemaakt. Je kan daarbij denken aan de werken zoals; Bij het raam 1920, Vrouw te paard 1922, Primevera 1926, Landschap 1927, De vals spiegel 1928, De boom van kennis 1929. Portret 1935, De oogst 1943, Het grote geluk 1945, Het onbeschreven blad 1967 en zo kunnen we nog wel even doorgaan. Hij heeft zeer veel schilderwerken nagelaten.

Rene Magritte

Rene Magritte

Max Ernst: surrealistisch schilder

“De taak van de schilder is dat wat in hem zichtbaar is af te bakenen en te tonen.” Een fantastisch citaat van Max Ernst (1891-1976) en een mooie beschrijving van het gedachtegoed van een veelzijdig Duits surrealistisch schilder. Ooit begonnen als dadaïst, snel uitgegroeid tot een pionier van het Parijse surrealisme. Maar wat maakte Max Ernst zo bijzonder en wat kenmerkte zijn kunst?

Het werk van Max Ernst

De werken van Max Ernst worden geclassificeerd binnen het surrealisme en het dadaïsme. Hij experimenteerde voortdurend met verschillende technieken en ontwikkelde het zogenaamde dripping. Hij had een uitgesproken fascinatie voor vogels en liet zichzelf meermaals als vogel-man in zijn schilderijen terugkeren (de Loplop). De Loplop was voor Ernst zijn alter ego, een extensie van zijn innerlijk zichtbare in zijn werk.

Max Ernst kan een van de meest intrigerende kunstenaars van de vorige eeuw genoemd worden. Hij wordt dan wel geclassificeerd binnen het dadaïsme en het surrealisme, maar eigenlijk doet hem dat ietwat oneer aan: hij bleef zijn werken verder ontwikkelen en bleef getuigen van creativiteit en innovatie. Waar men surrealisten vaak kunstenaars voor pubers durft noemen, is het niet correct om hem tot een dergelijk niveau te degraderen. Max Ernst was en bleef doorheen zijn leven een onverzadigbaar schepper binnen zijn vak. Hij was een begaafd schilder, een fantastische graficus en een groots beeldhouwer. Meer nog: Max Ernst wist dat in kunst alles mogelijk was.

Oeuvre

In zijn werk De olifant van Celebes is de overgang naar het surrealisme duidelijk zichtbaar. Het diepteperspectief wordt gecombineerd met een vergrote voorgrond en het dierlijke domineert het werk. De olifant van Celebes is een metalen monster en op het werk zien we een naakte vluchtende vrouw. De olifant symboliseert de blindheid van het geweld, waar de vrouw de angst voor gevangenschap en de dood moet uitbeelden.

Een ander werk van Ernst is de Oedipus Rex, een van zijn bekende vogelwerken. Max Ernst trachtte steeds zijn innerlijke zelf te tonen in zijn werken en de Oedipus Rex is daar een zeer goed voorbeeld van. Het werk schetst het verhaal van de jonge Ernst: op een en dezelfde dag sterft zijn lievelingsvogel en wordt zijn jongste zus geboren. Zijn werk toont het verband tussen de geboorte en de dood. De vogel is bovendien gevangen, de vingers komen door het venster met een door een zaag doorboorde noot. De Oedipus staat symbool voor de slechte band tussen Ernst en zijn vader.

Andere werken (selectie)

“De maagd slaat het Christuskind voor drie getuigen” (1926), “Angel of Heart and Home” (1937), “Robing of the Bride” (1940), “Les dieux obscurus” (1957), “33 meisjes gaan op vlinderjacht” (1958).

max ernst

max ernst2

Maak echte kunst met ecoline

Je bent graag creatief bezig en je vindt het leuk om verschillende technieken uit te proberen. Maar je kent het wel, dat gevoel van teleurstelling als je het eindresultaat bekijkt… Iedereen die dan iets zegt in de trant van dat het “toch gaat om het proces en het plezier, en niet om het resultaat”, zou je met liefde een dreun verkopen…Natuurlijk is het belangrijk dat je plezier beleeft aan je creatieve uitingen, maar hoeveel meer voldoening zou het opleveren als je het eindproduct lijkt op echte kunst? Wat zeg ik, niet alleen lijkt op echte kunst, maar gewoon echte kunst ís! Dan deel ik nu een geheimpje met je: probeer eens ecoline. Met deze specifieke verf bereik ook jij het niveau dat door kan gaan voor kunst.

ecoline1

Wat is ecoline en waarom zou je ervoor kiezen?
De meeste mensen hebben wel een van ecoline gehoord. Vroeger werd het veel gebruikt op scholen met een kroontjespen of met een rietje. Nu wordt het nog op scholen gebruikt, maar is de keuze aan kleuren enorm uitgebreid. Alle mogelijke kleuren ecoline zijn beschikbaar, ook in verschillende hoeveelheden. Afhankelijk van hoeveel je het gebruikt uiteraard. Ecoline is eigenlijk aquarelverf maar dan in vloeibare vorm, waardoor het op inkt lijkt. Door de concentratie van de pigmenten levert ecoline intense kleuren op. Het materiaal is ook heel aantrekkelijk omdat er heel veel gebruiksmogelijkheden voor zijn die niet moeilijk zijn en wel een verbluffend effect geven.

ecoline1

Voorbeelden wat je met ecoline kunt doen
Natuurlijk is het mogelijk om te verven met ecoline, gewoon met een kwast. Maar er zijn zoveel meer manieren om ecoline te gebruiken. Zoals al genoemd, kun je ecoline ook geweldige effecten met ecoline en een rietje bewerkstelligen. Druppel ecoline op het papier en blaas met een rietjes de verf naar allerlei richtingen. Het effect is zo mooi en verrassend dat u er snel door gebiologeerd zult raken. Waar ook veel gebruik van gemaakt wordt is ecoline dat is aangebracht op papier beïnvloeden door andere substanties toe te voegen, zoals bijvoorbeeld zout. Dit levert fantastische figuren en effecten op, die niet onder doen voor echte kunst!

De eerste kunstenaars

Over de hele wereld zijn voorbeelden te vinden van prehistorische kunst. En waar de wetenschap tot voor kort dacht dat de eerste kunstuitingen uitsluitend toegeschreven konden worden aan de moderne mens, tegenwoordig staat men ook open voor de mogelijkheid dat Neanderthalers kunst maakten.

Het ontstaan van de eerste kunst

Waar en wanneer kunst precies is ontstaan, is moeilijk te zeggen. Feit is wel dat de ontdekking dat je jezelf kan uitdrukken met symbolische expressie één van de belangrijkste ontdekkingen van de mensheid is geweest. Je kan zelfs stellen dat de mens hier begon in het onderscheiden van het dierlijke. In Europa manifesteerden de eerste kunstuitingen zich rond de komst van de moderne mens zo’s 43.000 jaar geleden. Maar op dat moment leefde de moderne mens al 100.000 jaar in Afrika. Waarom waren daar geen overblijfselen van? Die bleken er wel, maar waren alleen niet opgemerkt.

Eerste kunstenaars

Op een dag in 2000 graaft Christopher Henshilwood op het zuidelijkste puntje van Afrika, een blokje ingegraveerde rode oker op. Ongeveer 75.000 jaar geleden heeft iemand in dit blokje een patroon gekerfd dat bestaat uit lijnen. Sindsdien is ditzelfde patroon aangetroffen op andere stukken oker, maar niemand weet precies het betekent. Deze stukken waren op dat moment 35.000 jaar ouder dan alle andere uitingen van symbolisch denken die er tot dan toe waren gevonden en zorgde voor een doorbraak in de manier waarop we naar prehistorische kunst kijken. In de afgelopen vijftien jaar zijn steeds meer voorwerpen gevonden uit deze periode met een symbolische of decoratieve aard. Zo werden in Afrika kralen ontdekt van circa 82.000 jaar oud. In twee Israëlische grotten, Qafzeh en Skhul, waren zelfs kralen gevonden van respectievelijk 92.000 en minstens honderdduizend jaar oud.

Grotschilderingen

Waar de kunst in deze eerste periode nog heel primitief en abstract is, zijn de kunstwerken die dateren van zo’n 35.000 jaar geleden werkelijk schitterend- zelfs naar onze huidige maatstaven. Zo werden de grotschilderingen die gevonden zijn in de Franse grotten van Lascaux, Renne en Chauvet zo op de wanden neergezet dat het bijna lijkt alsof ze tot leven komen. Wanneer je de schilderingen vanuit een bepaalde hoek bekijkt en bedenkt dat ze met kaarslicht werden beschenen, dan zie je een schouwspel dat bijna overeenkomt met onze huidige bioscoopervaring. Kunst was voor onze verre voorouders net zozeer een ontsnapping uit het dagelijkse bestaan als het nu voor ons nog steeds is.

Eerste kunstenaars2

De oude kunst van de Grieken en Romeinen

De Europese beschaving vindt haar oorsprong in de kunst en cultuur van het oude Rome en Griekenland. De invloeden uit deze tijd zijn tot op de dag van vandaag terug te vinden, reden genoeg om de Romeinse en Griekse schilder- en beeldhouwkunst van dichterbij te bekijken. Ik neem je mee op reis door de artistieke wereld van de Oudheid.

De Griekse beeldhouwkunst streeft naar een perfecte stijl

Pygmalion was een eiland dat in de buurt van Cyprus lag. Dit eiland werd ook wel Venuseiland genoemd. Volgens de legende werd er beeld op dit eiland gemaakt dat bijna voor 100% perfect was. Een man werd verliefd op dit beeld en vroeg aan Venus de godin van de liefde om het beeld levensecht te maken. Venus deed dit en het beeld en de man leefde nog lang en gelukkig. Dit is misschien een van de weinige legenden van de Griekse kunst waarom veel Grieken streven naar perfectie in hun kunst. Mensen wilden beelden maken die zo levensecht waren, dat ze er verliefd op konden worden. De Grieken vonden schoonheid en perfectie zeer belangrijk. Dit is een van de reden waarom Grieken perfecte kunst wilden maken in de Oudheid.

Griekse beeldhouwkunst

De Griekse bouwkunst was in dienst van de Goden en de Godsdienst

In Griekenland draaide de cultuur veel om de Goden. Dit was te zien in hun cultuur en in hun beeldhouwkunst. Ze vonden het belangrijk om meerdere goden te eren en offers te brengen. De offers werden naar een tempel gebracht. Hier werd er voor bepaalde Goden speciale offers gedaan. Zo werd er geofferd voor Zeus. Dit was de oppergod van de Grieken. Volgens vele gelovige Grieken was Zeus de baas van het leven en had hij met verschillende niet Goden kinderen verwekt. Aldus de mythe. Deze kinderen werden halfgoden genoemd, omdat zij volgens de overleveringen zouden afstammen van de oppergod. Veel bijeenkomsten werden gehouden in de open lucht. Veel mensen mochten de tempels niet inkomen dit mochten alleen de priesters doen die een lijntje hadden met de goden van de tempel.

De Griekse schilderkunst

De Griekse schilderkunst is rijkelijk en zeer leuk om als kunstliefhebber naar te kijken. Alles wat over gebleven is van de rijkelijke schilderkunst van de Grieken zijn de vazen waar oude motieven over goden en het leven staan op afgebeeld. Je hebt ook vazen waar bloederige oorlogstaferelen op staan. Het is misschien leuk dat je als kunstliefhebber eens gaat verdiepen in de mooie kunst die de Griekse Oudheid rijk is. Deze vazen werden gebruikt om dingen in te bewaren. In de Oudheid werden deze vazen niet gebruikt als kunst. Deze vazen werden dus gebruikt om vloeistoffen, wijn en levensmiddelen in op te slaan. Aldus de functie van de oude vazen in het oude Griekenland.
Griekse schilderkunst

Romeinse bouwkunst voor de burger en het imperium

Romeinen vonden het heel belangrijk om veel macht en aanzien te hebben. De positie van hun macht is belangrijk. Romeinen dachten altijd heel groot. Zij wilden een groot en machtig imperium. Een groot rijk dat voor iedereen is, met Rome als de hoofdstad. Groots denken zat al in de bouwkunst van de Romeinen, een mooi voorbeeld hiervan is het Colosseum.

Romeinse Bouwkunst

Bezoek dit voorjaar de groots opgezette tentoonstelling van Jheronimus Bosch

Na het Van Gogh jaar in 2015, is 2016 het kunstjaar van Jheronimus Bosch. Het Noordbrabants Museum staat dit voorjaar in het teken van “Jheronimus Bosch – Visioenen van een genie”. 2016 is niet voor niets het jaar van Bosch, hij overleed namelijk dit jaar precies 500 jaar geleden. Brabantse musea geven daarom het gehele jaar aandacht aan de kunstschilder behorend tot de Noordelijke Renaissance. Bosch staat voornamelijk bekend om zijn satirische voorstellingen en wordt beschouwd als vernieuwer van de bestaande beeldtraditie.

Grootste tentoonstelling Jheronimius Bosch ooit
Met maar liefst 20 schilderijen en 19 tekeningen van de kunstschilder is dit de grootste tentoonstelling van Jhernonimus Bosch ooit. De tentoonstelling is nog te zien t/m 8 mei 2016.

Charles-François Daubigny

Charles-François Daubigny was een Frans impressionistische kunstschilder en leefde tussen 1817 en 1878. Grote meesters als Claude Monet en Paul Cézanne hebben veel geleerd van Daubigny op gebied van kunst. In het werk van Monet herken je het meest van Daubigny’s artistieke kenmerken. Tussen Daubigny en Cézanne zijn er ook overeenkomsten te vinden, weliswaar wat minder dan bij Monet.