Categorie archief: Kunst

Kunst

Het oudste beeld ter wereld

Oude kunstwerken zijn natuurlijk altijd ontzettend interessant om te bekijken. Er zijn in het verleden al talloze oude beelden gevonden. Maar wat zijn nu eigenlijk de oudste beelden die er op dit moment zijn? Uit welke tijd komen deze beelden? En misschien nog wel belangrijker: kun je die beelden ook nog ergens bekijken. Hieronder worden de oudste beelden ter wereld voor je op een rijtje gezet

Venus van Dolní Vestonice

Dit beeld werd bijna 100 jaar geleden(1925) gevonden in het zuiden van Tsjechië. Het was in twee stukken gebroken en men schat dat het stamt uit de periode 28.000 jaar voor Christus geboren werd. Het is vrouwelijk vruchtbaarheidsfiguur zoals ze veelvuldig in de prehistorie voorkwamen. Het is het oudste keramieken beeld ter wereld en wordt bewaard in Brno, ontoegankelijk voor het publiek.

Venus van Galgenberg

Een nog ouder beeldje dat in 1988 gevonden werd vlakbij het Oostenrijkse Stratzing. Het Serpentijnen beeld is naar de meest betrouwbare schatting ruimt 30.000 jaar oud. Het is met 7 centimeter erg klein. Het beeld werd gevonden in verschillende delen en is later hersteld. Het is vandaag de dag nog steeds te bezichtigen in het Natuurhistorisch Museum in de hoofdstad van Oostenrijk. Het is tot en met 2008 het oudste Venus beeldje ter wereld geweest.

Venus van Hohle Fels

Naar schatting met afstand het oudste door mensenhanden gemaakte beeld dat gevonden werd. Dit beeld werd in 2008 in Zuid-Duitsland gevonden en is gemaakt van ivoor. Dat ivoor is naar alle waarschijnlijkheid afkomstig van de tand van een mammoet. Het stamt uit het jaar 40.000 voor Christus en wordt nog steeds tentoongesteld. Als je het beeld wil zien, moet je naar het Urgeschichtliches Museum in Blaubeuren.

Nóg oudere beeldjes

Er zijn op zeker nog oudere beeldjes gevonden dan degenen die hierboven beschreven zijn. Sterker nog: er zijn beelden gevonden die volgens de schatting van experts meer dan 300.000 jaar oud zijn. Het probleem met deze beelden is dat er niet met zekerheid gezegd kan worden of deze beelden daadwerkelijk door mensen zijn gemaakt

Afbeeldingsresultaat voor Venus van Dolní Vestonice

Waarom is De Schreeuw zo bekend?

Schilderij “De schreeuw

Dit ruim honderd jaar oude schilderij wil laten zien wat angst is. Het figuur op het schilderij is eigenlijk een zelfportret van de schilder die dit schilderij met olieverf, tempera en pastel op doek heeft gezet. De Zweedse schilder Edvard Munch had, toen hij aan de gang ging met dit werk een traumatische relatie met een getrouwde vrouw achter de rug. Op een avond wandelde hij net even buiten Oslo en zag dat de lucht en het landschap wonderschoon was. Plotseling veranderde dit in een angstwekkend aangezicht. Dit gebeurde natuurlijk in zijn hoofd. Hij werd hier zo door gegrepen dat hij dit direct bij thuiskomst is gaan schilderen. Dit schilderij beeld angst uit. De figuur die met een wijd open mond hard schreeuwt en als het ware bang is voor zijn omgeving.
Edvard Munch

Edvard Munch

Edvard Munch was een kunstschilder geboren in 1864. Nadat hij lid werd van de kunstenaarsgroep “Kristiana Bohème” ging hij zich steeds meer specialiseren in het maken van expressionistische werken. Liefde, angst en pijn die hij zelf meemaakte liet hij zien in zijn kunstwerken. Vooral de angst is goed waar te nemen in veel schilderijen van Edvard. Kleuren en verfstreken geven een paniekerige aanblik en brengen dit op een goede manier over op de kijker.
HerkenbaarAfbeeldingsresultaat voor de schreeuw

Veel mensen zullen iets in zichzelf herkennen wanneer zij naar dit schilderij kijken. Dit kan erg confronterend zijn en kan de persoon in kwestie van zijn stuk brengen. Het schreeuwen van de figuur is het schreeuwen tegen het landschap om hem heen. Dus eigenlijk het schreeuwen tegen de buitenwereld. De werken van Edvard Munch zijn allen het bekijken waard, maar “de Schreeuw” is toch één van zijn beste kunststukken. Niet in opdracht gemaakt maar helemaal uit hemzelf voortgekomen.
Munch museum Oslo

Edvard Munch maakte van elk schilderij een tweede versie. Van de Schreeuw zijn vier versies in omloop. In 2004 is de eerste en dus het originele schilderij gestolen uit het Munch museum. Het dievengilde heeft geprobeerd dit schilderij te verkopen en zijn zo gepakt. In 2006 was het schilderij weer terug in het museum. Kijk voor nog meer informatie op de desbetreffende websites.

 

 

 

Wim Pijbes treedt toe in raad van toezich TEFAF

Wim Pijbes nieuw lid Tefaf

Kunsthistoricus Wim Pijbes mag zich sinds kort lid van de raad van toezicht bij de Tefaf noemen. Pijbes kreeg vooral bekendheid doordat hij de afgelopen jaren afwisselend directeur werd van verschillende musea in het land. Tot 2008 was hij verbonden aan de Kunsthal in Rotterdam. Daarna nam hij het directeurschap van het Rijksmuseum in Amsterdam voor zijn rekening. In die functie bleef hij tot vorig jaar. In 2016 werkte hij als directeur voor het Museum Voorlinden dat zich gevestigd heeft in Wassenaar. Vanwege zijn inspanningen kreeg hij de titel Officier in de Orde van Oranje-Nassau. Anno 2017 is hij nog steeds directeur, maar dan van Stichting Droom en Daad.Afbeeldingsresultaat voor Wim Pijbes

Naar verwachting zal deze vernieuwing binnen de raad van toezicht veel bekijks trekken in de kunstwereld. Dat komt doordat er naast Wim Pijbes nog zeven nieuwe leden hun debuut maken als toezichthouder. De helft van de in totaal acht nieuwkomers bestaat uit leden van de Tefaf. Pijbes is niet de enige Nederlander die de raad komt versterken, want ook kunstmarktconsulent Nanne Dekking voegt zich erbij. Aan de andere kant blijven er ook bekende gezichten op hun vertrouwde plaats zitten. Zo gaat de in opspraak geraakte beurshandelaar Konrad Bernheimer de komende tijd door met zijn taken.

TEFAF

De Tefaf staat voor The European Fine Art Foundation en is een belangrijke kunstbeurs in Europa. Na de eerste editie in 1975 heeft de tiendaagse beurs een rijke historie met schitterende kunst opgebouwd. Pijbes en Dekking kunnen gewoon in eigen land blijven als ze hun nieuwe werk komen doen. Het Maastrichts Expositie en Congres Centrum vormt al decennia het decor voor het evenement. Sinds 2016 heeft de Tefef zich uitgebreid met een buitenlandse variant in de Amerikaanse stad New York. In mei 2017 komt Tefaf in deze stad met een voorjaarseditie van het kunstfestijn. Liefhebbers in Nederland moeten nog geduld hebben tot maart 2018 voordat ze weer kunnen genieten van alle kunst.

 

 

Nationale Museumweek 2017

De Nationale Museumweek, meer dan allen passie voor kunst

De Museumvereniging organiseert in 2017 voor de derde keer de Nationale museumweek. Tijdens deze museumweek, die van 3 tot en met 9 april 2017 gehouden wordt, zullen ruim 400 musea door geheel Nederland de deuren openen voor publiek. Daarnaast worden er door vele musea speciale activiteiten georganiseerd, waaronder workshops, exposities en proeverijen, allen met doel om meer Nederlanders te verleiden tot museumbezoek en laten te genieten van de schoonheid van de Nederlandse kunst en het erfgoed. Het thema van de Nationale museumweek 2017 is ‘Ons échte goud. Dichterbij dan je denkt!’

Gouden Pronkstukken

Alle musea die deelnemen aan de Nationale museumweek zetten speciaal voor deze week een pronkstuk in de schijnwerper. Elk pronkstuk staat centraal voor een stuk geschiedenis. Het vertelt iets over kunst, wetenschap, techniek en de mensheid. De pronkstukken en hun geschiedenis kunnen verdeelt worden op een lange historische tijdlijn.Drie van deze pronkstukken worden in blinkend goud uitvergroot en kunnen bewonderd worden op openbare plaatsen in drie Nederlandse steden. Doordat deze pronkstukken zo uitvergroot zijn, kan niemand meer om Ons Echte Goud heen. Veel voorbijgangers zullen verrast worden door deze pronkstukken en onverwachts met kunst in aanraking komen. Een nieuwe passie kan zomaar geboren worden.

Locaties Gouden Pronkstukken:

De Letterkast, Dordrecht, van zondag 2 april tot en met zondag 9 april
Het Meisje van Yde, Assen, van dinsdag 4 april tot en met zondag 9 april
De Ploeger, Helmond, van donderdag 6 april tot en met zondag 9 april.

Exposities

Tijdens de Nationale Museum proef je de kunst in geheel Nederland. Ieder museum probeert op haar eigen manier de interesse en liefhebberij voor de kunst over te brengen. Zo wordt in de Kunsthal de expositie ‘Werk voor een betere wereld’ gehouden. Deze expositie is opgenomen in het programma Mondriaan tot Dutch design 2017.

 

Afbeeldingsresultaat voor nationale museumweek 2017

TEFAF Kunstveiling: strenger optreden tegen vervalsingen

De TEFAF kunstveilig is dit jaar voor de 30ste keer georganiseerd in Maastricht van 10 tot 19 maart.

Deze unieke beurs trekt ook veel internationale kunsthandelaars aan gerenommeerde galeries die proberen zeldzame stukken te verkopen of verhandelen op deze veiling.
Een handelaar die een object wanst te verkopen of veilen op de TEFAF kunstbeurs moet kunnen aantonen dat het object echt is en geen vervalsing. De beurs heeft een goede start gehad dit jaar. Er is namelijk al een peperduur poppenhuis verkocht met zeventiende-eeuwse zilveren miniaturen voor maar liefst 1,75 miljoen euro.

Strenger optreden tegen vervalsingen

Vorig jaar kwam de beurs echter in opspraak omdat er vervalsingen te koop waren aangeboden. De gerechtelijke procedure zijn nog volop die vervalsingen aan het onderzoeken. Daarom kan men nog geen uitspraken doen hieromtrent.

De keuringscommissie kwam ook in opspraak door het feit dat de keuringscommissie ook bestaat uit handelaars die mee helpen de objecten en antieke stukken controleren op hun echtheid. Om te vermijden dat hun commissie kan verantwoordelijk gesteld worden heeft TEFAF een nieuw beleid en disclaimer laten registreren. Het keuringsteam bestaat nochtans uit 178 experts die in 28 verschillende commissies zetelen om de objecten (normaal een 30.000 objecten per beurs) te kunnen controleren op de authenticiteit.

Nieuw keuringsbeleid en bescherming van de keuringscommissie

Het nieuwe Keuringsbeleid van TEFAF dat dit jaar wordt ingevoerd bestaat uit het volgende:

  • Elk aangeboden object wordt gecontroleerd op de kwaliteit, de conditie waarin het zich bevind en of het object authentiek is.
  • Bij twijfel wordt het object zeker niet toegelaten en onmiddellijk verwijdert uit de catalogus

Invoering van een disclaimer in het keuringsbeleid sedert dit jaar door TEFAF

  • De keurmeesters zijn niet verantwoordelijk voor het onderzoek van elk aangeboden object
  • Enkel de handelaars zijn verantwoordelijk voor het aanbieden van een echt object en geen vervalsing.

Met dit nieuwe beleid onderscheiden ze zich van andere kunstbeurzen.

De unieke uiting die conceptuele kunst heet

Bij conceptuele kunst gaat het om het idee, dat van groter belang is dan de technische uiting daarvan. Deze stroming kent de opvatting dat er geen scherpe grens bestaat tusse
n onze kunst en ons leven. Sinds de jaren zestig van de vorige eeuw is conceptuele kunst een zeer belangrijke internationale stroming die zich in vele verschijningen openbaart. Niet alleen galeries, maar ook op bijzondere locaties of evenementen wordt conceptuele kunst gebruikt en getoond. De kunstvorm is gestoeld op filosofie, het feminisme, politiek activisme en natuurlijk de psychoanalyse. De conceptuele kunst laat de toeschouwer werken; meer dan de ogen wordt het denken geprikkeld met deze moderne kunstuiting.

Idee belangrijker dan uitvoering

Het doel van conceptuele kunst is bewustwording. Het gaat om het idee van het concept kunst, niet om het getoonde kunstobject. Het eindproduct is een onontkoombare consequentie van het proces. Deze kunststroming gaat dus verder dan traditionele kunst. Dat betekent dat vormen, materialen of technieken vrij zijn. Haast alles kan worden omgevormd tot een kunstobject, zolang het artistieke idee maar aan het proces ten grondslag ligt. De kern van conceptuele kunst ligt in de minimalistische kunst, zoals de Dada beweging begin 20ste eeuw. Marcel Duchamp, met zijn reactie tegen de beeldende kunst, gebruikte alledaagse voorwerpen om nieuwe, subjectieve kunstconcepten te vormen. Zijn bekendste werk is het urinoir, uitgeroepen tot meest invloedrijke werk van moderne kunst. Hiermee werd duidelijk: het creatieve proces is even belangrijk als het uiteindelijke werk.

Kunstwerk overbodig

Conceptuele kunst kent veel kenmerken. Zo staan niet de gemaakte vormen of materie
centraal, maar de bedoelingen en ideeën. Tekst is een veelgebruikt middel en een ander kenmerk is dat de uitvoering minder belangrijk, of zelfs overbodig is. Conceptuele kunst kenmerkt zich ook door het gebruik van onconventionele materialen en media. De waarde van conceptuele kunst ligt dus niet in het eindproduct, maar in het proces. Dit eindproduct is slechts een bijkomstige fase van het scheppingsproces. Conceptuele kunst wordt daardoor meer ‘ontworpen’, dan dat het gemaakt wordt. Foto’s, documenten, kaarten, video, film, performance: de vormen zijn zeer uiteenlopend. Veel hedendaagse kunstenaars gebruiken ook meer sociale media, communicatie en sociale interactie. De conceptuele kunst is zo een stimulerende vorm Afbeeldingsresultaat voor conceptuele kunstvan kunst die onmisbaar is gebleken.

 

 

Wie was Raffaello Sanzio?

Een veelzijdige man

Raffaello Sanzio is op 6 april 1483 geboren in een klein dorpje vlakbij Rome. Naast tekenaar en architect behoorde hij tot het selecte groepje grote kunstenaars in de periode 1500 tot 1520. Hij behoort tot één van de meester van de Italiaanse Renaissance. Al tijdens zijn leven was hij een erg bekende verschijning. In eerste instantie kreeg hij schilderles van zijn vader. Later werd hij leerling bij Perugino. In zijn schilderij “De droom van de ridder” is de invloed van Perugino zeer zeker aanwezig. Ook portretten schilderde deze man geweldig evenals Madonna’s. Ook voor tapijtkunst draaide hij zijn hand niet om. Een prachtig zelfportret ontbreekt uiteraard niet.

Vertrek naar Florence, daarna naar Rome

Begin 1500 vertrok Raffaello Sanzio, tegenwoordig beter bekend als Rafaël, naar Florence. Hij paste zijn techniek aan, hij werd daardoor beïnvloed door de meesters Leonardo Da Vinci en Michelangelo. Nog wat later, rond 1508 reisde hij naar Rome. Hij kreeg daar de opdracht om één van de vertrekken van het Vaticaan te decoreren. Op deze manier werd hij in sneltreinvaart één van de belangrijkste kunstenaars van het Vaticaan. Ook heeft Rafaël in Rome vier zalen van het Apostolisch paleis in Vaticaanstad onder handen genomen.

Kort leven

Erg oud is Rafaël niet geworden. Op zijn zevenendertigste verjaardag is hij overleden. Op zijn graf staat een bijzondere tekst namelijk: “Dit is de graftombe van Rafaël, die tijdens zijn leven Moeder Natuur deed vrezen door hem te worden verslagen, en als hij stierf, met hem te moeten sterven.” Ook na zijn dood ging het werk door. Dat bewijst het kunstwerk “Transfiguratie” oftewel “de gedaanteverandering van Jezus”. Dit werk kwam pas na zijn dood af. Er gaan geruchten dat de Paus hem tot kardinaal wilde benoemen! Hier is echter geen bewijs voor.

Afbeeldingsresultaat voor Raffaello Sanzio

 

Kenmerken van het Dadaisme

Afbeeldingsresultaat voor dadaisme

Het dadaïsme, ook wel dada genoemd, is een stroming in de kunst die is ontstaan tijdens de Eerste Wereldoorlog. Het dadaïsme is ontstaan in Zurich als tegengeluid tegen de verschrikkingen die plaatsvonden tijdens de Eerste Wereldoorlog. In 1916 richtte een groep kunstenaars het Cabaret Voltaire op. Dit was een literaire club met een expositiezaal. Vanuit hier verspreidde de kunstenaars hun manifesten over heel Europa om hun gedachtegoed over te brengen. Onder deze kunstenaars zaten bekende namen zoals Tristan Tzara, Otto van rees, Hans Arp en Hugo Ball.

Ook werd er een tijdschrift gemaakt met de naam Dada. De naam dadaïsme is eigenlijk willekeurig gekozen. De Duitser Richard Hülsenbeck, die in een Frans-Duits woordenboek op een pagina een woord uitkoos. Hij kwam terecht op het Franse woord Dada, dat speelgoedpaardje of stokpaardje betekent. Richard Hülsenbeck is ook de man die het dadaïsme goed wist te verwoorden. Hij zei dat het voor een dadaïst noodzakelijk is om zich uit te spreken tegen de kunst omdat het oplichterij is. Tegelijkertijd ontstonden er in steden zoals New York, Keulen, Parijs en Hannover enigszins gelijksoortige stromingen en werd het dadaïsme een internationale stroming. Ook in Nederland, waarbij Theo van Doesburg wordt gezien als één van de belangrijkste vertegenwoordigers van het dadaïsme.

De stroming en het einde

Ondanks dat de stroming maar kort heeft bestaan (1915-1925), heeft deze grote invloed gehad op de generaties kunstenaars hierna. Tussen 1920 en 1922 was de stroming erg populair, met name in Parijs, waar ook de eerste exposities werden gehouden.
In Duitsland daarentegen was er veel kritiek op de uitingen van de dadaïsten. Vier kunstenaars werden vervolgd wegens belediging van het leger, godslastering, pornografie en ondermijning van het burgerlijk moraal.

Tristan Tzara, één van de oprichters van het dadaïsme, verklaarde de stroming in 1992 tijdens een congres in Parijs, dood. De meeste kunstenaars van het dadaïsme sloten zich vervolgens aan bij een andere populaire stroming, het surrealisme.

Het kubisme leert anders kijken

Het kubisme is een schilderstijl binnen de moderne kunst, welke ontstond aan het begin van de twintigste eeuw. Als avant-gardekunststroming (een voorhoede van jonge kunstenaars die met nieuwe vormen experimenteren), beleefde het hoogtijdagen tussen 1906 en 1920.

Kenmerken
In het kubisme worden alle objecten binnen het schilderij teruggebracht tot basisvormen. Vaak is er sprake van een vereenvoudiging. Ruimtelijkheid ontstaat doordat het onderwerp vanuit meerdere standpunten bekeken kan worden. Het meest vernieuwende aspect was: hoe breng je het driedimensionale over naar het tweedimensionale vlak. Door het kubisme is men vandaag de dag meer open gaan staan voor andere invalshoeken.

Voorloper Paul Cézanne
Deze 19e-eeuwse schilder meende dat alle vormen in de natuur in feite uit een aantal oervormen bestond: piramide, bol, kubus, kegel en cilinder. Het klassieke perspectief werd door hem losgelaten en hij begon in plaats hiervan kleur te gebruiken om diepte te creëren.

Georges Braque en Pablo Picasso
In Frankrijk werd deze stijl verder ontwikkeld door Georges Braque en Pablo Picasso. Deze periode wordt het geometrisch kubisme genoemd. Zij werkten vijf jaar intensief samen, waardoor hun kunst veel op elkaar leek. Later is er een scheiding tussen hen ontstaan doordat Braque in 1914 tijdens de eerste wereldoorlog werd opgeroepen voor militaire dienst. Hij raakte gewond aan zijn hoofd en keerde pas in 1917 terug in Parijs. De schilders gingen sindsdien hun eigen weg.
Georges Braque schilderde: Glas op tafel, 1909, Mandora, 1909, Fles en vissen, 1910 en: Klarinet en fles rum op een schoorsteenmantel, 1911.
Bekende schilderijen van Pablo Picasso zijn: Fruitschaal, viool en fles en: Stilleven, beiden uit 1914.

Het analytisch kubisme (1910 tot 1912)
Met de geometrische basisvormen als uitgangspunt werd de opbouw van het onderwerp verder geanalyseerd. De kleur was van ondergeschikt belang, de nadruk lag vooral op de vorm.

Het synthetisch kubisme (1913 tot 1920)
Na deze periodes wilde men toch weer wat meer terug naar de realiteit, door niet zozeer de oervorm maar juist de omtreklijn van het object zoveel mogelijk te benadrukken. Hierdoor keerde naast herkenbaarheid ook het perspectief wat meer terug. In deze fase werd kleur weer belangrijker. Voor collages werden soms monstertjes van de werkelijkheid gebruikt, zoals: stukjes krant, touw, of stoelbekleding. Schilder Juan Gris is een bekende schilder uit deze periode, schilderijen van hem zijn: Fles rum en krant en: Het zonnescherm, beide uit 1914.

Mandora - Georges Braque
Mandora – Georges Braque

Victor Vasarely

victor-vasarely
Victor Vasarely

Kunstenaar Victor Vasarely is niet zo beroemd als een Andy Warhole of een Frida Kahlo. Toch is zijn kunst invloedrijk geweest voor vele internationale artiesten. In de jaren veertig van de 20ste eeuw experimenteert hij met optische illusies, via geometische, abstracte vormen. Deze visuele tegenstrijdigheden worden getypeerd door vele schakeringen en rangschikkingen, zodat de werken lijken te bewegen. In de jaren 50 volgen dan de kinetische schilderijen. Ook dit zijn werken met een sterk optisch perspectief. Vasarely is bekend in zijn werk om het abstracte gebruik van lijnen, patronen en wiskundige vormen.

Optical Art
Victor Vasarely wordt in Pécs geboren. De Hongaar begint rond 1925 aan een studie medicijnen, maar breekt deze al snel af. In 1927 is hij begonnen met de kunststudie in Boedapest en volgt daarnaast privélessen in het atelier van Bortnyik. Zo komt hij in contact met de Russische Constructivisten. Al snel verhuisd hij naar Parijs. Daar verricht hij voornamelijk grafisch werk en werkt hij voor verschillende reclamebureau’s. Tijdens en na zijn werk krijgt hij veel ideeën rondom het abstraheren van dagelijkse voorwerpen. Vanaf 1955 creëert Vasarely een reeks afbeeldingen die voor de toeschouwer bewegen. Het zijn lijnstructuren die naarmate het gezichtspunt verandert, lijken mee te bewegen. Dat jaar ontvangt hij de Critics Award in Brussel en een prijs in Milaan. Tevens is 1955 het jaar dat hij ‘Yellow Manifesto’ uitbrengt. Vanaf dit jaar maakt hij muurschilderingen en reliëfs in verschillende materialen. Zijn deelname aan verschillende exposities wereldwijd zorgen dat zijn naam verspreid wordt.

Vanaf 1961
Vasarely verhuist naar Frankrijk. Zijn roem en werk stoot door tot de wereldtop, waarbij hij nog meer prijzen in ontvangst mag nemen. Hij richt zich meer op architecturale projecten en stort zich zelfs op film. In 1971 opent er een museum in Gardes, gewijd aan zijn werk. Het werk levert de beginselen voor de Optical Art beweging wereldwijd. Vasarely maakt zich sterk voor de kunst die voor iedereen beschikbaar was en dus ook reproduceerbaar. In 1997 overleed deze vader van de geometrische abstracte schilderkunst.