Hyperrealisme is een prachtige kunststijl

Times Square New York City early 1970 - Richard Estes

Times Square New York City early 1970 – Richard Estes

Hyperrealisme is een kunststijl uit de jaren 60 en 70 van de vorige eeuw. Het is een stroming in de postmoderne schilderkunst. Ook de beeldhouders hielden er zich mee bezig in die periode. Het is een figuratieve stijl. Deze stijl werd toegepast bij landschappen, stillevens en portretten. Hierbij wordt alles op een zo’n realistische en neutrale manier weergegeven. Hyperrealisme wordt ook wel fotorealisme genoemd. De belangrijkste bloeiperiode was de tweede helft van de jaren 70. De kunstenaars hadden een afstandelijke houding ten opzichte van werkelijk. Zij probeerden alles objectief weer geven net zoals dat bij een foto het geval is. De schilders van de kunststroming verbeelden vaak kiekjes, die afkomstig zijn uit het dagelijkse leven. De mensen die geschilderd werden waren zo realistisch mogelijk weergegeven waardoor ze bijna niet van echt te onderscheiden zijn. De kunstenaars die deze stroming hanteren bestuderen eerst de foto’s, wat naderhand in hun schilderijen terug te vinden is. Een groot aantal schilders gebruiken dia’s. Deze dia’s werden dan op het doek geprojecteerd. Op deze manier krijgt men zeer speciale schilderijen.

Beeldhouwers
Om alles zo realistisch mogelijk te maken werden er lichaam afgietsels gebruikt. Daardoor lijkt ook alles zeer realistisch. Tot de bekendste beeldhouwers die deze stroming een warm hart toedragen zijn John de Andrea en Duane Hanson. Zij werkten hoofdzakelijk met kunststoffen. Bij de kunstwerken van John de Andrea omvatten wel enige vormen van ironie.

Weergave
Hyperrealisme is bijna een fotografische weergave van het voorwerp. Er wordt bij portretten gewerkt zonder emoties en expressie. Alles wordt tot in detail met een klinische precisie weergegeven en dat tot in het kleinste detail. Hierbij wordt een fragment uit de werkelijk geïsoleerd en dat wordt meer dan levensecht weergegeven van de werkelijkheid. Daarbij wordt alles zeer scherp afgebeeld. Soms wordt ook een schaalvergroting toegepast.

Schilders
Enkele schilders van deze stroming zijn;
Richard Estes. Hij maakte gebruik van meerdere foto’s om alles zo duidelijk mogelijk weer te kunnen geven.
Andere schilders die deze vorm van kunst beoefende waren; Domenico Gnolli en Lucian Freud. Het is een kunstvorm die nog wel beoefend wordt. Het is een zeer mooie kunstvorm waarin alles zeer herkenbaar is.

Pop-art

Pop-wat?
Ondanks dat pop-art een groot aantal verschillende stijlen en technieken inhoudt, is er één groot gemeenschappelijk uitgangspunt: de interesse en voorliefde voor populaire cultuur en dan voornamelijk de Amerikaanse. Ordinaire massavoorwerpen uit de reclame, strips films of het dagelijkse leven, werden tot kunstvorm verheven. Kenmerkend is een speelse, jeugdige en frisse stijl.

Pop-waarom?
De stroming kwam voort uit de tijdsgeest van (seksuele) vrijheid en vrouwenemancipatie en kan geïnterpreteerd worden als een reactie op het abstract expressionisme. Deze kunstenaars zagen kunst als iets elitairs, waartegen de pop-art kunstenaars zich afzetten. Alle kunstwerken beschouwen als een ode aan de consumptiemaatschappij is gevaarlijk, aangezien er ook heel wat kunstwerken deze bekritiseerden.

Pop-waar?
Londen was de bakermat van pop-art, waar een groep kunstenaars, architecten en critici elkaar wekelijks ontmoetten in het Instituut van de Hedendaagse Kunst. Zij noemden zichzelf de “Independent Group” (Onafhankelijke Groep). Het schilderij “Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?” van de Brit Richard Hamilton wordt beschouwd als het begin van de popart.

Pop-wie?
Hamilton mag dan misschien de aanstoker zijn geweest, Andy Warhol is zonder meer de bekendste pop-art kunstenaar. Zijn geschilderde Marilyn Monroe is uitgegroeid tot een iconisch kunstwerk, net zoals zijn blikken Campbell soep.
Zijn landgenoot Roy Lichtenstein is ook wereldvermaard. Hij liet zich inspireren door strips, die hij dan vaak op zijn kenmerkende manier parodieerde. “Whaam!” en “Drowning Girl” zijn hiervan geweldige voorbeelden. De Nederlander Reinier Lucassen volgde zijn voorbeeld, want hij schilderde Donald Duck. Ook Woody van Amen en Wim T. Schippers kenden vele successen, net zoals de Belgen Marcel Broodthaers en Panamarenko. Daarnaast zijn er nog vele andere kunstenaars die deze stroming tot een van de meest bijzondere en populaire kunststromingen hebben gemaakt.

pop-art

Indrukwekkende creaties met voedsel

Kunstwerken die gemaakt zijn van voedsel zijn maar een beperkte tijd houdbaar. Food-art wordt deze kunst genoemd, regelmatig te zien op instagram en facebook. Van deze kunst is het belangrijkste onderdeel, een goede foto van de creatie te maken. Alleen op deze manier wordt food-art bewaard. Kunst met voedsel wordt gemaakt van de gewone producten die wij elke dag eten. Fruit, groenten, pitten, noten en vleeswaren. Door combinaties te maken worden de mooiste creaties gemaakt. Maar ook van één stuk fruit kan een kunstobject worden gesneden. De kunstenaar werkt met mesjes om tot het juiste resultaat te komen.

Kunstenaar Dan Cretu
Dan Cretu is een Roemeense kunstenaar die zijn kunstwerken maakt met vers fruit en groentes. Met een ui vormt hij de aarde en van parika’s maakt hij bloemen. Een sinaasappel wordt omgetoverd tot een fototoestel. Hij gebruikt uitsluitend hele verse producten omdat na een paar uur werken de creatie zo mooi mogelijk op de foto wil hebben. Wanneer de groenten of fruit al na een uur gaat verleppen is het kunstwerk verloren. De foto is eigenlijk het kunstwerk. Deze kunstenaar heeft ontzettend veel fantasie en maakt steeds weer een andere verrassend object. Voedselkunst kan eigenlijk alleen maar gezien worden door de foto. Deze moet dan ook perfect zijn.

Vrolijke kunst
Dan Cretu maakt vrolijke kunst! In deze wereld vol van oorlog en geweld is het een verademing om de foto’s van Dan Cretu te bewonderen. Spelen met eten noemt hij het zelf. Hij werkt heel graag met groentes en fruit en doet er soms een plak salami bij. Creatief met voedsel is helemaal van deze tijd. Komt dat omdat er een overvloed is aan goed eten? Het is verbazingwekkend wat Dan Cretu allemaal met eten maakt.

Dan Cretu heeft al honderden objecten gemaakt maar een paar springen er toch echt uit.

De sinaasappelfiets
Van één sinaasappel heeft Dan ooit een fiets gemaakt. Het voor- en achterwiel is een plak sinaasappel terwijl de rest van de fiets zoals het stuur, zadel en bagagedrager gesneden zijn uit de schil. Dit is geen makkelijke klus geweest. Ook omdat er snel gewerkt moet worden om alles zo vers mogelijk op de foto te krijgen.

dan-cretu1

De motorfiets
op ingenieuze wijze heeft Dan Cretu van puntpaprika’s een motorbike gemaakt. De kleine wielen zijn gesneden uit een limoentje en de rest is opgebouwd uit rode puntpaprika’s en plakjes wortel. Het is ondoenlijk om alle kunstobjecten van deze Roemeen op te noemen en te beschrijven. Deze kunst moet met eigen ogen gezien worden. Kijk op desbetreffende websites en laat je informeren over de eetbare kunst.

dan-cretu2

Kunstschilder René Magritte

Kunstschilder René Magritte werd op 21 november 1898 geboren en is gestorven op 15 augustus in 1967. Toen Magritte 13 jaar was werd zijn moeder dood uit de rivier de Samber gehaald. Zij had zich met een doek om het hoofd in het water gestort. Dat gebeuren heeft bij hem een grote indruk achtergelaten. Het gebeuren komt in zijn latere werken vaak terug. Er zijn vaak schilderen van hem waarbij het aangezicht bedekt is. Van 1916 tot 1921 volgde hij de opleiding aan de Brusselse Academie.

Zijn leven was gewoon. Hij hield niet van het uitgaansleven en hij leefde met zijn vrouw in een rustige wijk van Brussel. Hij liet, als een burgerlijk man, iedere dag zijn hond uit. Ondanks dat hij zo’n groot kunstenaar was had hij zelfs geen eigen atelier. Hij maakte zijn schilderijen in de woonkamer of aan de keukentafel. Wanneer er gegeten moest worden ruimde hij zijn schilderijen op om er later weer op verder te gaan. Ondanks dat hij zo alledaags was eindigde hij in 2005 op de negende plaats als grootste De Grootste Belg. Hij stond nog afgebeeld op het bankbiljet van 500 frank juist voordat de euro ingevoerd werd.

Het begin
Magritte werkte in eerste instantie als ontwerper bij een behangfabriek. Naderhand maakte hij affiches. Het debuut van Magritte als schilder was Kubistisch, futuristisch en abstract. Na het zien van het werk van Girorgio de Chirico in 1925 begon het werk van Magritte steeds meer surrealistische elementen te vertonen. Magritte maakte vooral olieverfschilderijen op doek. Hij maakte ook veel gouaches voorwerpen en collages. Tussen 1940 en 1946 verrijkte Magritte zich door zijn stijl aan te passen. Hij schilderde nu met een impressionistische accentuering. Na een korte periode van verrijking keerde hij toch weer terug naar zijn oude stijl.

Het surrealisme

Het surrealisme is een kunststroming in de moderne kunst. Deze is ontstaan als een literaire stroming in het begin van 1920. Tussen 1925 en 1940 was het het hoogtepunt van het surrealisme. Nog steeds komt men het surrealisme in de kunst tegen. Dit zowel voor de schilderkunst, beeldhouwwerken en literair.

Kunstwerken

Magritte heeft vele schilderijen gemaakt. Je kan daarbij denken aan de werken zoals; Bij het raam 1920, Vrouw te paard 1922, Primevera 1926, Landschap 1927, De vals spiegel 1928, De boom van kennis 1929. Portret 1935, De oogst 1943, Het grote geluk 1945, Het onbeschreven blad 1967 en zo kunnen we nog wel even doorgaan. Hij heeft zeer veel schilderwerken nagelaten.

Rene Magritte

Rene Magritte

Levendigheid en energie kenmerken het futurisme

Innovatie
Italië: het land van het lekkere eten en dolce vita, maar ook het land waar het futurisme ontstaan is. Het betekent letterlijk toekomst en dat is precies waar deze kunststroming voor staat: veel energie, gericht op innovatie en met de nodige dynamiek. Het futurisme is een beweging die van 1909 tot 1914 onder meer de kunstwereld domineerde en die wars was van normen en waarden en regeltjes. Er werd niets aangetrokken van de traditionele kunst maar er werd vooruit gekeken.

Het einde

Het futurisme heeft niet lang bestaan. Toen Italië te maken kreeg met de Eerste Wereldoorlog, was er al snel niet veel meer over van de kunststroming, maar toen was de beweging al wel in rap tempo uitgewaaierd over Europa. Invloeden waren overal terug te vinden en het futurisme vormde de opmaat naar andere stromingen met vernieuwende invloeden, zoals het modernisme.

Kunstenaars

Een tijdlang vierde het futurisme hoogtij in Rusland en dan niet zozeer op het gebied van kunst, maar wel als het ging om literatuur. Daarbuiten vond het futurisme ook weerklank. Een van de bekendste kunstenaars op het gebied van deze kunststroming is René Magritte, een Belgische kunstschilder. In zijn schilderwerken is het futurisme goed terug te zien. Ook kunstenaars als Marcel Duchamp en Umberto Boccioni staan bekend om hun futuristische stijl.

Musea

Wil je graag futuristische werken bekijken om zo met eigen ogen te kunnen zien hoe de kenmerkende energie als een rode draad door de kunstwerken loopt, dan kan je daarvoor terecht in allerlei musea. Niet alleen in Nederland, maar ook in het buitenland. Zo heeft het Kröller-Müller Museum futuristische kunstwerken in haar collecte, evenals het Tate Modern in Londen en het Museum of Modern Art in New York. En ga je naar Milaan, dan kun je bijvoorbeeld naar het Museo del Novecento. Zo zie je maar weer: het futurisme is ook vandaag de dag nog heel levendig!

futurisme 2

futurisme 3

futurisme

Max Ernst: surrealistisch schilder

“De taak van de schilder is dat wat in hem zichtbaar is af te bakenen en te tonen.” Een fantastisch citaat van Max Ernst (1891-1976) en een mooie beschrijving van het gedachtegoed van een veelzijdig Duits surrealistisch schilder. Ooit begonnen als dadaïst, snel uitgegroeid tot een pionier van het Parijse surrealisme. Maar wat maakte Max Ernst zo bijzonder en wat kenmerkte zijn kunst?

Het werk van Max Ernst

De werken van Max Ernst worden geclassificeerd binnen het surrealisme en het dadaïsme. Hij experimenteerde voortdurend met verschillende technieken en ontwikkelde het zogenaamde dripping. Hij had een uitgesproken fascinatie voor vogels en liet zichzelf meermaals als vogel-man in zijn schilderijen terugkeren (de Loplop). De Loplop was voor Ernst zijn alter ego, een extensie van zijn innerlijk zichtbare in zijn werk.

Max Ernst kan een van de meest intrigerende kunstenaars van de vorige eeuw genoemd worden. Hij wordt dan wel geclassificeerd binnen het dadaïsme en het surrealisme, maar eigenlijk doet hem dat ietwat oneer aan: hij bleef zijn werken verder ontwikkelen en bleef getuigen van creativiteit en innovatie. Waar men surrealisten vaak kunstenaars voor pubers durft noemen, is het niet correct om hem tot een dergelijk niveau te degraderen. Max Ernst was en bleef doorheen zijn leven een onverzadigbaar schepper binnen zijn vak. Hij was een begaafd schilder, een fantastische graficus en een groots beeldhouwer. Meer nog: Max Ernst wist dat in kunst alles mogelijk was.

Oeuvre

In zijn werk De olifant van Celebes is de overgang naar het surrealisme duidelijk zichtbaar. Het diepteperspectief wordt gecombineerd met een vergrote voorgrond en het dierlijke domineert het werk. De olifant van Celebes is een metalen monster en op het werk zien we een naakte vluchtende vrouw. De olifant symboliseert de blindheid van het geweld, waar de vrouw de angst voor gevangenschap en de dood moet uitbeelden.

Een ander werk van Ernst is de Oedipus Rex, een van zijn bekende vogelwerken. Max Ernst trachtte steeds zijn innerlijke zelf te tonen in zijn werken en de Oedipus Rex is daar een zeer goed voorbeeld van. Het werk schetst het verhaal van de jonge Ernst: op een en dezelfde dag sterft zijn lievelingsvogel en wordt zijn jongste zus geboren. Zijn werk toont het verband tussen de geboorte en de dood. De vogel is bovendien gevangen, de vingers komen door het venster met een door een zaag doorboorde noot. De Oedipus staat symbool voor de slechte band tussen Ernst en zijn vader.

Andere werken (selectie)

“De maagd slaat het Christuskind voor drie getuigen” (1926), “Angel of Heart and Home” (1937), “Robing of the Bride” (1940), “Les dieux obscurus” (1957), “33 meisjes gaan op vlinderjacht” (1958).

max ernst

max ernst2

Magisch Realisme

Het magische realisme is een stroming in de schilderkunst die met een realistische stijl een alternatieve werkelijkheid weergeeft. De term magisch realisme wordt in 1925 als eerste gebruikt door de Duitser Franz Roh en wordt sindsdien ook op eerder werk toegepast. Het magische realisme probeert het magische in het alledaagse te doen verschijnen waardoor ook het alledaagse meer betekenis en aandacht krijgt.

Vervreemding

Magisch realisme poogt door alledaagse dingen in groot detail weer te geven of in nieuwe verbanden, perspectieven of omgevingen te plaatsen een vervreemding van onze dagelijkse werkelijkheid te bewerkstelligen. De alternatieve werkelijkheid kan gecreëerd worden door er iets van buiten de werkelijkheid aan toe te voegen, maar vaak worden er dingen veranderd om een werkelijkheid die we in het dagelijks leven niet zien weer te geven. Rond de Eerste Wereldoorlog ziet men veel dat alledaagse dingen in een onheilspellende situatie geplaatst worden en zo de grotere onheilspellende werkelijkheid van de periode weerspiegelen.

Relatie met andere stromingen

Het magisch realisme keert zich tegen de abstracte kunst en richt zich op het bereiken van een effect met realistische weergave. Deze drang naar fotografisch realisme is het belangrijkste onderscheid met verwante stromingen die onze perceptie van de werkelijkheid op losse schroeven zetten zoals het expressionisme en het surrealisme. Je ziet vaak ook magisch realistische werken van artiesten die tussen verwante stromingen bewegen, zoals Max Ernst (1891-1976) en René Magritte (1898-1967) die surrealist genoemd worden. De stroming werd lange tijd gezien als Europees, maar na de Tweede Wereldoorlog werd de term ook steeds meer gebruikt voor werken van kunstenaars in beide Amerika’s zoals Frida Kahlo (1907-1954) en Edward Hopper (1882-1967).

In Nederland

Misschien wel de bekendste Nederlandse artiest met magisch realistisch werk is Escher (1898-1972), die zijn vervreemding vooral bereikte met perspectief zoals in bijvoorbeeld Tekenen en Klimmen en Dalen. De Amsterdamse schilder Carel Willink (1900-1983) is internationaal bekend en gebruikt in de regel de lucht om een magische en niet zelden onheilspellende karakter teweeg te brengen zoals in Landschap met omgevallen beeld en De Eeuwige Schreeuw. Willinks portretten van koninginnen Beatrix en Juliana geven elk goed een idee van magisch realistische portretten. Het werk van Anneke Kuyper (1942-) geeft een goed beeld van magisch realisme in verschillende technieken en stijlen en de voortdurende invloed in hedendaagse kunst.

Magisch Realisme

magisch realisme

Maak echte kunst met ecoline

Je bent graag creatief bezig en je vindt het leuk om verschillende technieken uit te proberen. Maar je kent het wel, dat gevoel van teleurstelling als je het eindresultaat bekijkt… Iedereen die dan iets zegt in de trant van dat het “toch gaat om het proces en het plezier, en niet om het resultaat”, zou je met liefde een dreun verkopen…Natuurlijk is het belangrijk dat je plezier beleeft aan je creatieve uitingen, maar hoeveel meer voldoening zou het opleveren als je het eindproduct lijkt op echte kunst? Wat zeg ik, niet alleen lijkt op echte kunst, maar gewoon echte kunst ís! Dan deel ik nu een geheimpje met je: probeer eens ecoline. Met deze specifieke verf bereik ook jij het niveau dat door kan gaan voor kunst.

ecoline1

Wat is ecoline en waarom zou je ervoor kiezen?
De meeste mensen hebben wel een van ecoline gehoord. Vroeger werd het veel gebruikt op scholen met een kroontjespen of met een rietje. Nu wordt het nog op scholen gebruikt, maar is de keuze aan kleuren enorm uitgebreid. Alle mogelijke kleuren ecoline zijn beschikbaar, ook in verschillende hoeveelheden. Afhankelijk van hoeveel je het gebruikt uiteraard. Ecoline is eigenlijk aquarelverf maar dan in vloeibare vorm, waardoor het op inkt lijkt. Door de concentratie van de pigmenten levert ecoline intense kleuren op. Het materiaal is ook heel aantrekkelijk omdat er heel veel gebruiksmogelijkheden voor zijn die niet moeilijk zijn en wel een verbluffend effect geven.

ecoline1

Voorbeelden wat je met ecoline kunt doen
Natuurlijk is het mogelijk om te verven met ecoline, gewoon met een kwast. Maar er zijn zoveel meer manieren om ecoline te gebruiken. Zoals al genoemd, kun je ecoline ook geweldige effecten met ecoline en een rietje bewerkstelligen. Druppel ecoline op het papier en blaas met een rietjes de verf naar allerlei richtingen. Het effect is zo mooi en verrassend dat u er snel door gebiologeerd zult raken. Waar ook veel gebruik van gemaakt wordt is ecoline dat is aangebracht op papier beïnvloeden door andere substanties toe te voegen, zoals bijvoorbeeld zout. Dit levert fantastische figuren en effecten op, die niet onder doen voor echte kunst!

De eerste kunstenaars

Over de hele wereld zijn voorbeelden te vinden van prehistorische kunst. En waar de wetenschap tot voor kort dacht dat de eerste kunstuitingen uitsluitend toegeschreven konden worden aan de moderne mens, tegenwoordig staat men ook open voor de mogelijkheid dat Neanderthalers kunst maakten.

Het ontstaan van de eerste kunst

Waar en wanneer kunst precies is ontstaan, is moeilijk te zeggen. Feit is wel dat de ontdekking dat je jezelf kan uitdrukken met symbolische expressie één van de belangrijkste ontdekkingen van de mensheid is geweest. Je kan zelfs stellen dat de mens hier begon in het onderscheiden van het dierlijke. In Europa manifesteerden de eerste kunstuitingen zich rond de komst van de moderne mens zo’s 43.000 jaar geleden. Maar op dat moment leefde de moderne mens al 100.000 jaar in Afrika. Waarom waren daar geen overblijfselen van? Die bleken er wel, maar waren alleen niet opgemerkt.

Eerste kunstenaars

Op een dag in 2000 graaft Christopher Henshilwood op het zuidelijkste puntje van Afrika, een blokje ingegraveerde rode oker op. Ongeveer 75.000 jaar geleden heeft iemand in dit blokje een patroon gekerfd dat bestaat uit lijnen. Sindsdien is ditzelfde patroon aangetroffen op andere stukken oker, maar niemand weet precies het betekent. Deze stukken waren op dat moment 35.000 jaar ouder dan alle andere uitingen van symbolisch denken die er tot dan toe waren gevonden en zorgde voor een doorbraak in de manier waarop we naar prehistorische kunst kijken. In de afgelopen vijftien jaar zijn steeds meer voorwerpen gevonden uit deze periode met een symbolische of decoratieve aard. Zo werden in Afrika kralen ontdekt van circa 82.000 jaar oud. In twee Israëlische grotten, Qafzeh en Skhul, waren zelfs kralen gevonden van respectievelijk 92.000 en minstens honderdduizend jaar oud.

Grotschilderingen

Waar de kunst in deze eerste periode nog heel primitief en abstract is, zijn de kunstwerken die dateren van zo’n 35.000 jaar geleden werkelijk schitterend- zelfs naar onze huidige maatstaven. Zo werden de grotschilderingen die gevonden zijn in de Franse grotten van Lascaux, Renne en Chauvet zo op de wanden neergezet dat het bijna lijkt alsof ze tot leven komen. Wanneer je de schilderingen vanuit een bepaalde hoek bekijkt en bedenkt dat ze met kaarslicht werden beschenen, dan zie je een schouwspel dat bijna overeenkomt met onze huidige bioscoopervaring. Kunst was voor onze verre voorouders net zozeer een ontsnapping uit het dagelijkse bestaan als het nu voor ons nog steeds is.

Eerste kunstenaars2

Paul Cézanne

Paul Cézanne (1839-1906) was een Franse kunstschilder die behoorde tot het postimpressionisme. Hij groeide op in het plaatsje Aix-en-Provance, in het zuiden van Frankrijk. In 1861 vertrok hij naar aanleiding van een heftige discussie met zijn vader naar Parijs. De twee hadden ruzie over liefde en schilderkunst. Zijn vader was een welgesteld man en wilde liever dat Cézanne bij zijn bedrijf – de bank Cézanne & Cabassol – in dienst kwam in plaats van een carrière in de schilderkunst te starten. Tegen de wil van zijn vader koos Cézanne toch voor de schilderkunst. Cézanne was heel strikt in hoe hij zijn werk wilde uitdragen en was het niet eens met de eisen van de ‘gewone schilder’.

Paul Cezanne

Paul Cezanne

Cézanne was radicaal voor zijn tijd en hij wilde schilders bewust maken dat er nog andere stijlen van schilderen bestonden. Cézanne heeft het gedachtegoed van de kunstwereld dan ook voorgoed veranderd. De invloed van Cézanne is nog in veel hedendaagse kunst terug te vinden, hij wordt namelijk ook wel gezien als de grondlegger van de moderne kunst. In het werk van Cézanne spelen licht en kleur een grote rol, zo gebruikte hij meer massieve en heldere kleuren dan zijn tijdgenoten, de impressionisten. Hij combineerde veel warme en koele kleuren in zijn schilderingen. Daarmee inspireerde hij ook het kubisme van Picasso en Braque. Picasso noemde Cézanne zelfs zijn enige echte leermeester.

Paul Cezanne

Paul Cezanne

De stijl van Cézanne stuitte op veel weerstand bij het gewone impressionisme en de aanhangers van het impressionisme wilden zijn werk dan ook verbieden in Frankrijk. Cézanne zette door en zijn stroming werd in de loop der tijd steeds meer geaccepteerd. Met name door de tentoonstelling van de Parijse kunsthandelaar Ambroise Vollard, die veel van Cézanne zijn werk tentoonstelde, kreeg Cézanne langzaam meer bekendheid. Ook dankzij de ontwikkelingen binnen de kunstwereld van de 20e eeuw heeft hij veel verandering teweeg gebracht.